Rex de Daniel Zezelj. Decir que este cómic comparte la misma sensibilidad de Sin City de Frank Miller sería desconocer el hecho de que son básicamente lo mismo. Un policía honesto injustamente acusado de crímenes que no cometió sale de la cárcel para acabar hasta con el nido de la perra (su ex-esposa) y finalmente lo hace. El dibujo es una mezcla de Simon Bisley en su mejor momento con Frank Miller en Ronin. Desde el artista de Rex hasta el Zezelj de nuestros días hay cientos de páginas de exploración y profesionalismo, sin embargo, su talento es fácilmente reconocible. Este cómic es perfecto para las almas impresionables con deseos de encontrar un ídolo.
Batman: Gotham after midnight de Steve Niles y Kelley Jones. El estilo de Kelley Jones marcó una nueva etapa en mi gusto por los cómics. Gracias a su trabajo en Batman: Red Rain en los noventa, me empecé a obsesionar con el hombre murciélago y por las imágenes llenas de zonas oscuras. Jones despertó algo en mí que hizo que pudiera disfrutar de gente como Jae Lee, Bill Sienkiewicz o el Miller de Sin City o, incluso, Mignola. Con su regreso a Ciudad Gótica pensé que Jones, por el simple hecho de que han pasado unos diez años mal contados desde sus días de gloria, habría tenido que cambiar su estilo aunque fuera un poco. Pero no. Gotham after midnight parece salida de una cápsula del tiempo enterrada en la Media torta de Bogotá en un Rock al parque. Como será que las imágenes están acompañadas de la típica narración en primera persona en papel de diario muy al estilo de... (sí, adivinaste) Watchmen. No creo que compre el siguiente número porque creo que la coyuntura de la nostalgia no da para más. Sin embargo, si usted tiene el espíritu metalero vivo, esta serie es para usted.
(párrafo spoiler) Y es que Whedon aplica el mismo principio que usó el editor de los setenta y ochenta de Uncanny X-Men, Jim Shooter, en la famosísima Dark Phoenix Saga. En vez de armar un final rebuscado e intrincado para cerrar la aventura con algo que sorprenda a los lectores y al mismo tiempo devuelva a los personajes a su statu quo, Astonishing X-Men termina con el sacrificio inevitable de Kitty Pride que hace que el mundo de los superpoderosos difrazados de colorinches se disfrace de un sentimiento casi vivencial. Ojo, que esto que describo no se confunda con la mala interpretación que los escritores de enmascarados gringos han hecho del realismo o de la maduración. (end of spoiler)
El otro día estaba buscando unas portadas de la Edad de Plata de la Mujer Maravilla y me encontré con una de esas perlas producto del exceso de pasión y tiempo libre que pululan en Internet. Se trata de Comic Book Bondage Cover of the Day, una página dedicada a reunir todas las portadas de cómics gringos en las que aparecen damas “el peligro” o, más bien, en situaciones de sometimiento o sumisión. Con unos 70 años de tradición, los comic-books ofrecen material para rato en este tema que va desde la clásica chica raptada por el villano vestido de negro, con cicatrices y bigote poblado hasta la amazona amenazante entrelazada con una anaconda pecaminosa. Al igual que esa relación casi indestructible entre la cerveza fría y las mujeres en bikini, la presencia de la sumisión femenina como tópico de la aventura serial gráfica es un fantasma que toma formas diversas y en muchos casos aterradoras. Si bien es una constante, pasar por la página y explorar monótonamente solo un 10% de las más de 1500 portadas hace que sobresalgan escenas a las que normalmente no les pararía bolas. No hay machote en mallas sin una damita indefensa que dependa de él y no hay cultura de cómics en Estado Unidos sin nenas amarradas, enjauladas y gritando histéricas mientras las sucias manos de sus captores recorren cada centímetro de su cuerpo (Se calentó este Blog). Si la idea original del profesor William Moulton Marston y su esposa Elizabeth era mostrar a una mujer que era capaz de romper las cadenas, los aficionados se enamoraron de la chica antes de su emancipación (atada de pies y manos).
Además desde la época de personajes como Barbarella, Vampirella y hasta Modesty Blaise hay una conciencia abierta del artificio que por lo menos lo hace explícito y en ciertos casos “de común acuerdo”. Aunque el tema me pareció medio retro al principio, lo traigo a colación porque desde que llegué acá y tuve la “ultimate experience” de la tienda comiquera gringa creo que el tópico se ha disimulado de maneras bastante aberrantes. Además para mi sorpresa el medio norteamericano es terriblemente literal en la lectura que hace de sus referentes (basta leer media edición de revista Wizard). Solo falta recordar las proporciones que hicieron famoso a Jim Lee o el jenesaiqua de Power Girl, por mencionar una de cientos. Hay dos imágenes recientes que me parecen fuertísimas y creo que no se pueden dejar pasar así como así:
La segunda, por cuenta de otro favorito de la hincada J. Scott Campbell que sacó a relucir todas sus fantasías secretas estrechando a más no poder la cintura de la vilipendiada y siempre abusada Wonder Woman. Apareció como portada alternativa del número 0 de la nueva serie de Justice League of America.
Puede que muchos se sientan incómodos con este tipo de cosas porque supuestamente los cómics están hechos para escapar de la realidad que nos abruma y para viajar a lugar de fantasía. No puedo estar más en desacuerdo con esa idea y si nos vamos a hacer los locos con estás cosas, entonces no nos quejemos ni de la estupidez de Paris Hilton ni de que el símbolo del orgullo nacional sea Shakira reptando entre aceite de carro.
Hace un tiempo escribí sobre la serie All-Star Superman, una de las pocas cosas realmente interesantes que ofrece el género de los superhéroes por estos días. Ni la seudo-política de títulos como The Ultimates 2 o Civil War ni el enésimo intento por reencauchar a los X-Men o a la Crisis de las Tierras Infinitas han logrado diferenciarse de los cientos de proyectos similares que cada año amenazan los bolsillos de esa tribu de hombres “jóvenes” sin oficio de los que Matthew J. Putzs habla en The Comic Book Culture. Ayer salió a la venta la quinta entrega de la serie que como de costumbre y gracias al cielo estuvo a cargo de Grant Morrison, Frank Quitely y Jaime Grant. Por cosas de la vida pude comprarla unos segundos antes de que cerraran la tienda de historietas y desde que la leí no me he podido dejar de sonreír. Me encantó. Esta revista es tan buena que en sus 23 páginas el único ser que aparece con una S gigante en el pecho es un mandril, el papel del “salvador” es interpretado magistralmente por Lex Luthor y Superman cada vez huele más a gladiolo. Es decir, está que se lo lleva la pelona (No sé cuál será la expresión popular para referirse a la muerte que mejor funcione con el público que pasa por acá pero por lo menos lo intenté y eso es lo que cuenta. Lección de Reality #423)
Desde que tengo memoria, la DC Comics usa como estrategia de venta de sus nuevos títulos, el cuento de que ahora el personaje de turno volverá a su esencia, a los elementos básicos que lo hicieron grande entre sus hinchas. En este caso, la frasecita de cajón es tan cierta como falsa porque si bien este Superman tiene unas aventuras y una personalidad lo suficientemente simple (o simplona) como para recordar los guiones de Otto Binder o Alvin Schwartz, Morrison ha puesto mucho énfasis en el proceso interior del personaje. Básicamente se trata de una especie de ¿cómo va a reaccionar un inmortal unidimensional a la posibilidad de su muerte? Participar de este arco de transformación tan poco común es sencillamente espectacular.
Para nadie es un secreto que los autores de esta mini-serie -que por esas cosas de la vida son oriundios de Glasgow- se las traen: Morrison es un monstruo tanto en su faceta meta-absurda (Animal Man, Doom Patrol, Arkham Asylum) como en su lado rete-comercial (Top 10 de Wizard); y por su parte, Quitely es el único dibujante del mainstream actual capaz de ponerle rollitos de grasa a la panza de una mutante y de alejarse del idealismo monótono de los superhéroes. De hecho, cada vez que se juntan los resultados son impresionantes: New X-Men, JLA: Terra 2, WE3, The Invisibles, por mencionar algunos. En este caso, el rótulo de clásico no se hizo esperar. Como pieza de arte secuencial, la comunicación entre los dos artistas es muy especial. La expresividad del trazo del dibujante se mezcla perfectamente con la capacidad de síntesis narrativa del escritor. Para la muestra basta con ver las tres portadas que han salido hasta ahora: son imágenes que desechan el tono grandilocuente de los superhéroes y se limitan a dar cuenta de acciones y relaciones de una forma menos dramática. No es fácil quitarle al mundo de Metrópolis el tono “épico-pop”, de hecho, la versión de Neil Adams del primer número es la antípoda del estilo de la dupla escocesa. Este es un hombre de acero que se la pasa mirando el horizonte, que está más preocupado por contemplar el mundo que por defenderlo. Sin duda, la forma como se está tratando la posibilidad de que el hombre de acero muera, concierne al espacio íntimo y personal del personaje. Y de ahí se desprende un conflicto de una naturaleza novedosa que muestra otra cara del héroe.
Si bien, los cómics se construyen a punta de giros inesperados, es importante destacar que el último kriptoniano ha estado actuando más como un adolescente mostrando su carro que como un adalid de la justicia. Aunque en Superman es muy común la estrategia de crear una situación en la que el héroe se comporta extrañamente para después explicar sus verdaderas motivaciones al final, este ojalá no sea el caso. Si Papá Noel estuviera leyendo esto, le pediría que All-Star Superman sea un historieta del corte de “Whatever happened to the man of tomorrow?” de Alan Moore, en la que el protagonista toma la opción más egoísta, en la que lo que prevalece es el bienestar individual del kriptoniano y no su capacidad de sacrificio. Ojalá esta no sea la historia de un mártir, ojalá sea la de un hombre.
Superman a lo León De Greiff, viendo fugarse los crepúsculos...
Varios bolgs especializados se han referido a este tema pero ahora es mi turno. La editorial del 26 de marzo del Los Angeles Times cuenta un hecho aberrante que no puedo dejar de comentar. Según este medio, la pieza más importante de la exposición “La Ciencia de los Superhéroe de Marvel”, llevada a cabo en el Centro de Exhibiciones de California, fue el gigante cartel de la entrada. En esta pieza de publicidad corporativa aparecía el término superhéroe seguido de la sigla TM, lo cual quiere decir que el popular término con el que denominan a los vigilantes enmascarados del comic-book norteamericano es de uso exclusivo de la Marvel y la DC y no, como lo indica el sentido común, de dominio público.
Según la ley del País de la Libertad, antes de usar la palabra superhéroe se le debe pedir permiso a alguno de los dos colosos editoriales porque, desde el año 1981, un tribunal determinó que la dichosa palabrita no denomina un género del arte secuencial, sino un producto exclusivo de este par de joyitas corporativas. Drake Cómics está en capacidad de expresar su opinión en estos términos terrenales (leer enérgicamente): Además de que le dedicamos todas nuestras horas libres de juventud a las benditas comiquitas, además de que optamos no recordar las fórmulas químicas de clase por dejar espacio mental para saber el nombre real del tío de Superman, además de que pasamos la adolescencia encerrados pasando páginas y copiando dibujos, además de que vaciamos cuanta alcancía en forma de marrano o casita nos pusieron cerca para comprar revistas, ahora, después de tanto luchar por hacer de las historietas un medio decente, ahora le salimos a deber a Stan Lee y a los hermanitos Warner. Ahora sí, qué me mataron a KiKo y a ¡toda la vecindad! 
Durante la edición de este año de la Wonder-Con de San Francisco, llevada a cabo en la segunda semana de febrero, el veterano historietista norteamericano Frank Miller dio muestras de una bajísima dosis de criterio y un muy alto nivel gringo-brutismo. Y fue justamente en una conferencia dedicada a si mismo en la que tuvo una de sus peores recaídas cuando anunció con bombos y platillos su nueva novela gráfica dedicada al hombre murciélago titulada Holly Terror, Batman (Santo Terror, Batman). Retomando la típica acotación del Robin clásico y sus “santas adivinanzas perversas” o “santas felinas aruñadas”, el mítico comiquero describió su nuevo experimento con un contundente: Batman contra Osama. Cuando fue interrogado por las motivaciones detrás de este adefesio, Miller aseguró que su intención es retomar el estilo de las historietas de la edad de Oro en las que Superman o el Capitán América le daban el triple T (Toma Tu Tomate) a Hitler. En un acto que varios especialistas han descrito como una total tontería y otros como un descaro sin precedentes, el autor del Dark Knight Returns afirmó que se trata de un intento por hacer un cómic propagandístico como antaño y que su motivación básica es apoyar a las tropas estadounidenses en su guerra contra el terrorismo… Sí, en serio dijo eso. Al parecer y aunque algunos aficionados han querido apagar las alarmas diciendo que es una estrategia comercial, esto no es un chiste.
No hay reportes sobre si a Miller se le realizó un análisis de alcoholemia después de la presentación. Otras fuentes confirmaron la gran amistad que, en los últimos años, une al hijo de la metada madre de Frank y al petardo de Alex Ross. Obviamente, Drake cómics en todas sus presentaciones se limita a reproducir la información y se alegra de no compartir en ninguna medida las opiniones expresadas por el actor material de esta recagad... digo, noticia.
Hace un par de semanas me encontré con una de las mejores mini-ser
ies de la temporada: Fantastic Four/IronMan: Big in Japan. Con guiones de Zeb Wells, ésta era una de las apuestas más arriesgadas y auténticamente interesantes de la Marvel Comics en esta déceda, sobre todo porque significaba un nuevo escalón en la carrera del talentoso Seth Fisher. Aunque este dibujante de origen japonés ya había trabajado con DC en: dos elseworlds titulados Green Lantern: Willworld y Flash: Time Flies, y, en una serie titulada Vertigo Pop! Tokio, la visibilidad que estaba recibiendo con este proyecto era impresionante. Desafortunadamente, esta gran promesa de las viñetas murió hace un par de semanas en circunstancias desconocidas.
La noticia llega como un baldado de agua fría porque de verdad que la mini-serie estaba muy buena y yo estaba esperando a comprar el cuarto número para reseñarla. Es una verdadera lástima. 
Invincible #0,
Las aventuras de Mark Grayson, el hijo del que inicialmente es el superhéroe más grande del mundo, son sosas para un lector que esté buscando algo más que la típica historia de enmascarados al estilo Marvel. Esto no significa que la edición cero de Invincible no esté bien editada: si la idea es ampliar el público lector dándole un resumen de la historia que le permita a la serie subir “rating”, esta revista funciona perfectamente. El dibujante, Ryan Ottley, hace un buen trabajo y la lectura, aunque un poco abigarrada, es agradable. De hecho se parece mucho a X-Men # 138, el número que siguió a la muerte de la Dark Phoenix, en donde Cíclope hace un recuento informativo pero monótono de la historia del equipo desde su origen hasta ese momento.
los números setenteros que Dennis O’Neil y Neal Adams hicieron de Linterna Verde y Flecha Verde y una reimpresión de Weird Science de EC Comics. Además, hay títulos más recientes como Invincible, ExMachina y la nueva mini-serie de Superman a manos de Morrison y Quitely que se llama All-Star Superman. Pues como los cómics se hacen es leyendo, le voy a dedicar las entradas de estos días a hacer una que otra reseña del nuevo material para que compartamos información sobre este mercado gringo tan diverso. Les dejo esta portada de uno de los villanos más friqui-chéveres de todos los tiempos: el Supermán Compuesto (Composite Superman). La versión de Editora Cinco de este cómic fue una de las primeras que tuve por allá en los 80s pero como buena revista de niño ya pasó a mejor vida.
